Estas son las 9 mejores películas dirigidas por mujeres el año pasado

Escribe: Andrei Contreras Romero (@Dacromero)

Las directoras de cine están en una pelea constante por obtener el mismo reconocimiento y oportunidades que sus colegas masculinos. El 2016 fue un gran año para las mujeres detrás de las cámaras, por lo que me animé a armar esta lista de 9 películas dirigidas por mujeres que considero dentro de lo mejor del año pasado. Cada una de ellas en un género diferente, paseándose por el drama, la comedia, el documental y hasta la animación; algunas de la mano de debutantes y otras cintas bajo el mando de realizadoras con harta experiencia en el rubro.

1. “L’Avenir” (Things To Come) de Mia Hansen-Løve

Quinto largometraje de Mia Hansen-Løve, una joven directora francesa que cautivó desde «All is Forgiven», su primer trabajo detrás de cámaras, en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes del 2007, para luego llevarse el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard por “Father Of My Children”. En “Things To Come”, nos ofrece un estudio de personaje y un ensayo sobre el inexorable paso del tiempo protagonizado por Isabelle Huppert, quien interpreta a Nathalie, una profesora de filosofía que bordea los sesenta años, cuya vida dividida entre el trabajo, su familia, ex alumnos y su madre se pondrá de cabeza luego de que la despidan, su madre fallezca y se entere de que su esposo le ha sido infiel durante varios años.

La cinta nos habla sobre la dificultad de abrazar los cambios y la búsqueda de la felicidad, algo que se mantendrá constante sin importar la edad que se tenga. Huppert se confirma como la mejor actriz del año pasado gracias a este trabajo y al que nos regaló en «Elle». Gracias a esta película, Hansen-Løve se llevó el premio a la Mejor Dirección en el Festival de Berlín del año pasado: hay que seguir de cerca su carrera, una que promete un nuevo proyecto titulado «Maya» junto a Juliette Binoche.

2. “The Edge Of Seventeen” de Kelly Fremon Craig

Debut cinematográfico que nos habla sobre la juventud: ese momento en el que sentimos que todo lo que nos pasa es la peor tragedia del mundo y que todos los que nos rodean están en nuestra contra. Fremon Craig también escribió el guion de la película y su logro es poder mostrar sin artificios ni restricciones el comportamiento de los jóvenes de ahora. La película se centra en Nadine, una chica independiente que piensa muy diferente a los demás, que es feliz pasando el rato con su única amiga de la infancia, que trata de lidiar con su popular hermano mayor y su madre, con la que no tiene una buena relación. Todo explota en la vida de la protagonista cuando encuentra a su mejor amiga y su hermano teniendo sexo.

Pudo ser otra comedia más sobre la búsqueda de identidad en la adolescencia, sino fuera por la originalidad, sensibilidad y sutileza con la que está escrita. Hailee Steinfield es la definición perfecta de versatilidad en la pantalla. Kelly Fremon Craig ofrece una visión fresca de la adolescencia para nuestra generación, que toca, además, temas como la pérdida de un ser querido, la soledad, el sexo y la sociedad.

3. “Certain Women” de Kelly Reichardt

Séptima película de esta renombrada directora, muy reconocida en el circuito independiente por sus estudios de personajes femeninos y por presentar una belleza única en lo sencillo y cotidiano. “Certain Women” sigue la línea mostrándonos la historia de cuatro mujeres en la ciudad de Montana, cada una lidiando con la soledad en un momento de sus vidas que puede parecer de lo más habitual, pero con una carga emocional arrolladora e inquietante.

Michelle Williams, Laura Dern, Kristen Stewart y Lily Gladstone interpretan a una mujer interesada en una cantera de piedras de su vecino para poder construir su casa, una abogada con un cliente que acaba de ser despedido, una joven profesora de derecho escolar y una joven que trabaja en la granja y que asiste a las clases de esta profesora. Las cuatro actrices dan un trabajo que, en sus pequeños detalles, gestos y miradas logran cautivar al espectador, en especial la debutante Lily Gladstone, quien sobresale pero injustamente fue ignorada de los premios de la temporada. Reichardt da una mirada sincera y delicada a la vida de sus personajes, mezcla los imponentes y desolados paisajes de Montana para amplificar estos sentimientos. De las mejores películas que he visto en el 2016.

4. “White Girl” de Elizabeth Wood

Ópera prima de esta directora de 33 años, una de las películas más explosivas y provocativas del año pasado. Basada en sus experiencias cuando fue a estudiar a la Universidad de Columbia, “White Girl” (que hace referencia a la protagonista y a la cocaína) cuenta la historia de una joven que se acaba de mudar con su mejor amiga a la ciudad de Nueva York para empezar sus estudios, que se enamora de un joven latinoamericano de la calle que se dedica a la venta de drogas. Este enamoramiento es intenso y la lleva a toda una montaña rusa de emociones donde el sexo, la violencia y el asesinato se muestran de manera salvaje y fidedigna.

Impactó en su estreno en el Festival de Sundance del año pasado, donde estuvo dentro de la competencia oficial y, sin exagerar, fueron varios los asistentes que se retiraron de la sala durante su proyección. Sus escenas son crudas, realistas y muestran de manera tan honesta y chocante los efectos de las locuras de la juventud, de ese amor pasajero vehemente por el cual la protagonista llega a adentrarse en situaciones arrolladoras. Wood también trata de temas muy presentes en la coyuntura social actual como el racismo y la igualdad de género. Morgan Saylor interpreta el personaje principal y entrega cuerpo y alma literalmente. La película se encuentra disponible en Netflix en este momento.

5. “Nuts!” de Penny Lane

Segundo documental de la directora que presentó “Our Nixon” (2013) con éxito en Rotterdam, para luego llegar a Sundance con este trabajo. Un retrato cuasi verídico de uno de los estafadores más grandes de Norteamérica, el Dr. John Romulus Brinkley, el supuesto genio detrás de los trasplantes de testículos de cabras. Lane se basa en el libro de la biografía autorizada del doctor para mostrar, mediante diferentes tipos de animaciones, la vida de este hombre y cómo consiguió formar un imperio y una reputación por sus extravagantes métodos en la medicina.

Un documental con marca propia que divide la historia en seis capítulos, cada uno con un estilo de animación diferente: los matices de colores van avanzando según la línea de tiempo y según cómo vamos descubriendo la verdad detrás del protagonista. Lane muestra los juicios que enfrenta el famoso doctor contra la AMA (American Medical Association) y la Comisión Federal de Radio, luego de que el protagonista construya la estación de radio más grande en América para poder ofrecer al público sus recomendaciones médicas. Lo que lo diferencia de los documentales biográficos es el uso de la animación, la cual permite mostrar a una América engañada y cómo un hombre se hace poderoso por inculcar creencias descabelladas con el poder de la palabra.

6. “Always Shine” de Sophia Takal

Después de unos años como actriz, Sophia Takal tuvo un impresionante debut en la dirección con “Green” (2011), que le valió el premio de Emerging Woman en el Festival de SXSW. Con este segundo largometraje, Takal vuelve a hacer una radiografía de la amistad entre dos mujeres, pero en este caso, ambas son actrices: una con mayor éxito que la otra y ambas con personalidades completamente diferentes. Un drama psicológico donde ambas amigas planean lo que sería un relajante fin de semana para poder ponerse al día después de tanto tiempo de competencia, pero que poco a poco se dan cuenta de que esa amistad está deteriorada, que la envidia y el desprecio han aumentado entre ambas.

Mackenzie Davis y Caitlin FitzGerald son las protagonistas de la película y ambas entregan dos deslumbrantes actuaciones de principio a fin: sus diálogos intensifican la tensión entre sus personajes y su naturalidad en escena logra aterrorizar al espectador. El logro de Takal es la atmósfera que otorga a la película y la dirección de sus actrices, de quienes saca lo mejor. Un drama con toques de horror, una ambientación que refleja el deteriorado lazo entre las protagonistas y una fotografía oscura y gris que se alimenta cada vez más con las riñas y deseos perversos de ambas.

7. “Hooligan Sparrow” de Nanfu Wang

Este documental nos muestra una China donde la policía y las leyes apañan actos inmorales y abusivos. Wang cuenta la historia de la activista feminista Ye Haiyan (también conocida como Hooligan Sparrow) y su lucha por los derechos humanos, en especial por el caso de seis colegialas que fueron abusadas por su director de colegio en la provincia de Hanian. Este documental sigue los pasos de Sparrow y sus compañeras activistas en las huelgas que realizaron por el país para buscar apoyo y denunciar debidamente las atrocidades cometidas.

Wang sale con su cámara en mano en busca de la verdad, mostrando a su heroína de manera humana: con pareja e hija, mientras el gobierno empieza a contratar gente para amenazarla, despojarla de su hogar y encerrarla, todo para callarla. A pesar de todas estas amenazas, Ye Haiyan no se rinde y es allí donde la directora se las ingenia para poder grabar sus encuentros con la policía: la misma realizadora se volvió una de las personas más buscadas debido a su presencia constante entre las activistas. En un mundo donde las injusticias pasan desapercibidas por la ley, donde el odio y los prejuicios son parte del día a día, este documental nos hace recordar que cualquier persona tiene derecho a protestar y que el hacer notar tu causa puede lograr un cambio.

8. “Toni Erdmann” de Maren Ade

Maren Ade logró el reconocimiento de la crítica en Sundance del 2005 cuando se alzó con el Gran Premio del Jurado por su debut “Der Wald vor lauter Bäumen” (The Forest For The Trees, 2003) y confirmó su estatus cuando ganó el Grand Prix en el Festival de Berlín en el 2009 con “Alle Anderen” (Everyone Else). Siete años después, estrenó “Toni Erdmann”, su último largometraje que se presentó en el pasado Festival de Cannes y fue el favorito de la crítica llevándose el premio FIPRESCI; arrasó en los premios de la academia europea de cine y logró su primera nominación al Oscar (que perdió frente a “The Salesman” debido a la coyuntura social del momento). La película cuenta la historia de Inés, una importante empresaria alemana que lleva una vida ordenada hasta que se su padre, quien tiene una personalidad completamente diferente a la de su hija, le hace replantear su vida y el sentido de su existencia gracias a un personaje imaginario: Toni Erdmann.

La dupla compone una pareja irrisoria que va entre lo patético a lo entrañable: dos personajes tan distintos y emocionalmente tan distantes. Todo con un estudio del capitalismo y su deshumanización en nuestros días mediante el oficio de la hija que se encarga de hacer un análisis de personal para las empresas, lo que conlleva a un despido masivo de trabajadores sustituidos por gente de clase baja y explotable. La directora hace un estudio de cómo se pierden los valores morales y humanos que dan rumbo a la vida, al igual que los afectos familiares trastocados por la incomunicación. La misma directora declara que sus personajes son un retrato de la Alemania actual: la mitad del país son como el personaje de la hija mientras que la otra mitad como Toni Erdmann y que, junto al humor negro con un fondo melancólico y dramático, hacen de la película un goce total y un nivel de cine diferente al visto. Actualmente se encuentra en cartelera exclusivamente en el UVK Caminos del Inca en un solo horario: corran a verla.

9. “Alba” de Ana Cristina Barragán

Primer largometraje de la joven ecuatoriana, que se presentó en el pasado festival de Rotterdam y donde obtuvo el Lions Award, para luego hacer su pase por diversos festivales de cine: tuvimos la gran suerte de poder verla en el pasado Festival de Cine de Lima. “Alba” fue un largo y arduo trabajo para su directora, quien desde la universidad estuvo preparando el guion de la película, el que ella considera como una biografía de su paso de la infancia a la adolescencia. La protagonista es muy reservada, de pocas palabras y tiene un gusto particular por los animales diminutos: su madre, quien la crió y con la que vive, es internada en el hospital, por lo que debe mudarse con su padre, un hombre a quien casi no conoce y que tiene una presencia apagada y desolada. Alba tendrá que sobrellevar los problemas de la transición de edad como su primera menstruación, la presión social por ser aceptada, la discriminación en el colegio y, a la vez, entablar una relación con su padre.

La directora cuenta con honestidad y sensibilidad esta historia. Un filme que encuentra sus mejores momentos en los silencios de su protagonista y la relación y paralelos con su padre. La directora se encuentra actualmente en el rodaje de su segunda película: “La piel de pulpo”.