En Cinta Jueves, 6 julio 2017

MUTA propone una muestra de cine de ‘apropiación audiovisual’ con proyecciones y talleres gratuitos

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¿Qué es la ‘apropiación audiovisual’? La reutilización y recontextualización de imágenes en movimiento, ya sea en formatos largos o cortos, hasta en los GIFs digitales que proliferan hoy en día en internet: ya sea con intenciones artísticas, de experimentación y hasta de reclamo político. A partir de esta vertiente audiovisual es que se gesta un nuevo espacio de difusión cinematográfica alternativa en nuestra capital: del 7 al 15 de julio se llevará a cabo MUTA, la 1era Muestra Internacional de Apropiación Audiovisual, donde se proyectarán casi 100 cortometrajes de found footage de cineastas como Antoni Pinent, Stephen Broomer, Peter Lichter, Dalibor Baric y María Cañas. Todo de forma gratuita. El evento también propone talleres prácticos, una masterclass y una instalación en un espacio galería.

AQUÍ PUEDES REVISAR LA PROGRAMACIÓN COMPLETA

Para esta primera edición, nos visitará el español Antoni Pinent, quien dictará un seminario teórico-práctico titulado “Imágenes Perdidas, Visiones Reencontradas”, del 10 al 12 de julio en el Centro Cultural de España, para además realizar una masterclass titulada “Entre Perforaciones” el 11 de julio en el Espacio Fundación Telefónica. También se dictarán los talleres gratuitos “Gifs y Apropiación Bélica” y “Fotogramas para Lima”, vinculados directamente a la apropiación desde soportes analógicos y digitales; y se realizará una exhibición artística que comprenderá video-instalaciones, arte sonoro y objetual a cargo de los artistas Álvaro Icaza, Verónica Luyo y Arturo Kameya, del 10 al 15 de julio en Lucila Walqui Galería.

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Nicolás Carrasco, programador de la muestra internacional, nos envía el siguiente texto, en el que nos habla un poco más de la propuesta del evento.


Escribe: Nicolas Carrasco

Desde casi sus inicios, el cine ha utilizado el archivo o “metraje encontrado” como referencia de hechos históricos y privados, una pizca de “verdad” que por mucho tiempo reinó casi exclusivamente en el terreno del documental más convencional. Sin embargo, llamamos cine de apropiación a aquel que trabaja a partir de imágenes que preexisten en el mundo pero para hacer emerger sentidos ocultos que contradigan aquellos que estas imágenes estaban destinadas a mostrar, para “hacer visible” aquello que no había sido visto, pero sin neutralizar sus sentidos originales. Con este término nos referimos tanto a la técnica como al contenido mismo del discurso, el “tema” explícito de este tipo de cine. Hablamos de una tradición fílmica que empezó con Joseph Cornell, su “santo patrón”, y que alcanzó la madurez con la obra de maestros como Bruce Conner, Michael Wallin o Artavazd Peleshyan.

Desde hace unas décadas, el “metraje encontrado” se ha convertido en un material polisémico, capaz de ser utilizado ya no exclusivamente como referencia histórica o social. Lo contemporáneo en el cine de apropiación está en saber que los sentidos de las imágenes son siempre inestables, ambivalentes y que dependen de las combinaciones virtualmente inagotables en que se las haga participar para producir nuevos significados y nuevas imágenes.

En esta muestra internacional, que se divide en cuatro programas, presentaremos películas que utilizan el “metraje encontrado” creativamente, desde aquellas que lo toman como mero soporte material hasta las que reeditan con un sentido político, pasando por las que lo viven como huella nostálgica hasta las que experimentan desde el montaje. Podremos ver, por ejemplo, el trabajo de Mauri Lehtonen, donde se representa un examen médico y, a su vez, un examen de la tira de celuloide donde se muestran los elementos que habitualmente quedan ocultos durante una proyección, como las perforaciones laterales o el área de la pista de sonido. En la misma dirección, el trabajo de Frederic Moffet es una suerte de “canto de cisne” a la figura de Montgomery Clift, donde el deterioro de las imágenes en VHS representa el deterioro físico y profesional del actor a partir de un accidente que tuvo. La película es, en ambos sentidos, una exploración de la obsolescencia. Por otra parte, el cine político está presente en el programa a través de obras como las de Jean-Gabriel Periot, Guli Silbertein o Alex Johnston. Películas como “The Devil” o “Now! Again!” (que parte, a su vez, de otra película de apropiación de Santiago Álvarez) nos exigen que comparemos el pasado con el presente, y que tomemos conciencia que nada ha cambiado. Solo mostrándonos el pasado nos dicen todo lo que nos depara el futuro cercano.

Decimos que el cine es arte cuando resulta la creación de un artista. El artista, su formación, lo que construye de sí en sus búsquedas personales, es necesario antes que la película. Si bien es cierto que el hecho mismo de trabajar con imágenes ya filmadas por otros no responde a la idea moderna de “autor” (como aquel que impone su “sello personal”), el cine de apropiación es una vertiente en la que el cine aún tiene posibilidades como un acto creativo personal y en solitario. Un cine que cuestiona el status quo de la forma y la representación, y que busca un conocimiento ajeno al lenguaje verbal, fundado en la comunicación visual. Un cine que aún formula preguntas.

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