En Cinta Domingo, 25 diciembre 2016

Estas son las mejores películas que vimos en el 2016

En Cinta

#losquesolohablandecine Lo último del mundo del cine. Lo que nos interesa, siendo honestos. facebook.com/EnCintaPeru twitter.com/encinta

Comparte

Se termina el año y toca recordar aquello que más brilló en nuestra retina, hizo zumbar nuestros oídos y aceleró las palpitaciones de nuestro corazón, lo mejor del cine de los últimos doce meses. Para ello, los 15 redactores de En Cinta (sección de cine de Utero.pe) elaboramos cada uno una lista con nuestras 10 películas favoritas del año (incluyendo estrenos comerciales, del circuito festivalero alternativo, así como aquellos títulos que pudimos ver online), para luego tabular los resultados y entregarles esta lista definitiva.

12. «L’avenir» de Mia Hansen-Løve

201609145_1_img_fix_700x700

Si hay una actriz cuyo trabajo ha definido el 2016, esa es Isabelle Huppert. A sus 63 años, la actriz francesa se ha robado el aplauso unánime con tres películas que cautivaron al circuito festivalero internacional: «Souvenir», «Elle» (la cual también aparece en esta lista, en varias posiciones más arriba) y «L’avenir», espectacular filme de la jovensísima Mia Hansen-Løve, una realizadora cuya carrera hay que seguir de cerca, ya que con «Le père de mes enfants», «Un amour de jeunesse» y «Eden» ya ha demostrado gran sensibilidad en el acercamiento a los personajes de sus historias, cuyas frustraciones y anhelos siempre están ligados al mundo del arte, de una u otra manera.

Es así que «L’avenir» es otra completa radiografía a un protagonista en pleno quiebre existencial, en este caso una mujer cuya vida se pone de cabeza cuando la despiden de su trabajo, su madre se muere y descubre que su esposo la engaña, una sucesión de revelaciones que hacen que cuestione todo aquello en lo que creía. Pero la vida sigue. La película se concentra justamente en ese paso del tiempo que hace que nuestra visión del mundo, de la política, del amor y de la vida en general cambie. Se trata de una cinta que mira con añoranza a la juventud, pero también con recelo ante lo ingenua que puede ser, porque la vida con los años te enseña que toda convicción puede ser puesta a prueba por los eventos más insospechados. Búsquenla, porque funciona como una pastilla refrescante de purita verdad.

Alberto Castro (@mczorro)

11. «Sully» de Clint Eastwood

maxresdefault

La propuesta resulta sencilla: la cinta nos muestra cómo un experimentado piloto de avión es investigado por amerizar un avión comercial en el río Hudson, luego de que una bandada de aves impactara los motores de la nave, salvando a todos los pasajeros y tripulantes. Lo que en un inicio resulta ser un claro acto heroico, se convertirá en una pesadilla para nuestro protagonista, debido a que los que lo investigan están empecinados en demostrar que otro piloto podría haber regresado al aeropuerto a salvo en las mismas condiciones, sin necesidad de la peligrosa maniobra.

El acierto de “Sully” es el eliminar la típica cursilería de las películas que retratan a héroes, para brindarnos un relato paciente. En las manos de cualquier otro director, el relato se hubiera concentrado en la espectacularidad y peligro del incidente del avión, con un clímax para las lágrimas. Pero Eastwood prefiere elaborar un relato sobrio y terrorífico, concentrándose en el tormento del hombre común de pronto convertido en símbolo nacional, criticando a una sociedad moderna deshumanizada, en la que el desempeño se basa en estadística y simulaciones automatizadas. La cinta también brilla al retratar a la perfección esa paranoia newyorkina que se vivía (y se sigue viviendo) luego de los atentados del 11 de setiembre, algo enfatizado en los múltiples puntos de vista que ofrece del accidente; lo cual también explica la necesidad de encontrar un héroe en medio de tiempos tan oscuros.

Renzo Mendoza Sotero (@RenzoMendozaS)

10. «La habitación» (Room) de Lenny Abrahamson

room-sat-together

Una madre e hijo se encuentran encerrados en un espacio reducido. Ella fue secuestrada cuando era adolescente y el niño es producto de una de las violaciones del secuestrador, de quien se conoce muy poco. Cuando el niño cumple 5 años de vivir en aquella habitación, la cual considera su hogar y única familia, la madre se cansa de la situación y decide encontrar la manera de escapar.

A pesar de la dura historia que cuenta, la película no se deleita en el morbo y escapa del exhibicionismo del dolor, mostrándonos todo desde la perspectiva del niño, el cual es empujado abruptamente a un mundo real del cual fue privado por tantos años. Todo es nuevo para él y para nosotros, hay una sensación de fascinación y miedo con lo que le toca vivir. La cinta se apoya también en dos actuaciones prodigiosas: Brie Larson, quien se llevó el Oscar por esta actuación, y el pequeño revelación Jacob Tremblay. Otro acierto de la película es el guion, escrito por la misma autora del libro original, Emma Donoghue, quien adapta su novela enfocándose en la historia del niño sin dejar de lado la evolución emocional de la madre.

Andrei Contreras Romero (@Dacromero)

9. «Los 8 más odiados» (The Hateful Eight) de Quentin Tarantino

hateful_eight_twc_1-0-0

En los años post-Guerra Civil, ocho extraños coinciden en una remota cabaña en Wyoming buscando refugio de una tormenta de nieve. Como suele suceder cuando enclaustras a un grupo de personajes en un espacio cerrado por tiempo prolongado, la tensión irá en aumento, algunos secretos serán revelados y todo terminará en el tipo de violencia excesiva propia de Tarantino.

Al reunir a estos ocho réprobos, el director junta los peores aspectos de la sociedad norteamericana bajo un mismo techo. Un hervidero de racismo, xenofobia, misoginia y total desconfianza frente a todo lo que sea distinto; la época será distinta, pero la situación sigue siendo la misma y estos son problemas con los que el Gran País del Norte aún tiene que lidiar.

Tarantino es bastante crítico de su país de origen y lo hace a través de los elementos que ya asociamos con su cine: largos, floridos y obscenos diálogos interpretados por su acostumbrado repertorio de actores – Samuel L. Jackson, Tim Roth, Kurt Russell, entre otros –, violencia gráfica y exagerada que llega a un nivel de extremismo que ni el mismo director se había permitido antes, una subversión y tributo simultáneo a un género de antaño – el western, en este caso – y un gran dedo medio a todo lo que se considere políticamente correcto.

La gran mayoría de directores independientes de la actualidad son absorbidos tarde o temprano por los blockbusters; Tarantino es uno de los pocos que quedan cuyo estilo es reconocible en cuestión de segundos. «Los 8 más odiados» no es la excepción: es Tarantino en su faceta más nihilista y oscura, pero es al mismo tiempo tremendamente divertida.

Ernesto Zelaya (@ErnestoZelayaM)

8. «Aquarius» de Kleber Mendonça Filho

aquarius_0

Tras recibir unánimes aplausos en el último Festival de Cannes, tuvimos la suerte de ver esta película en competencia en el Festival de Lima, donde su protagonista Sonia Braga se llevó el premio a la Mejor Actriz. Y es que «Aquarius» es un homenaje a esa hermosa mujer morena, la Gran Dama del cine brasileño que encandiló a su público desde los años setenta. Con una soltura de voz y cuerpo como solo ella lo podría hacer, Braga nos regala una interpretación de antología en la que retrata a Clara, una ex crítica musical que vive en un edificio de Recife que se niega venderle su departamento a una poderosa inmobiliaria.

Mendoça Filho escribe un relato de resistencia de una mujer ante el tiempo que pasa y destruye. Su resistencia, íntima e individual, tiene una potencia acaso política y colectivista. Clara lucha, sola y libre, mientras recuerda años de loca juventud, de un Brasil que parece haberse ido para siempre. En «Aquarius», el espacio es memoria. Y ese espacio corroído por el tiempo nos cautiva, no sólo por su cálida fotografía y solvente puesta en escena, sino por lo que sabemos que connota. El antropólogo Marc Augé ha escrito ya acerca de la sobremodernidad y su producción de no-lugares, espacios donde el anonimato, la ausencia de identidad y memoria priman por sobre los lugares históricos. Clara, con pequeños actos de cotidiano placer, se rehúsa ceder ante esa sobremodernidad: escucha sus viejos vinilos, descansa del calor en la hamaca, se toma una copa de vino, visita el mar, pasea sosegada por las playas y las calles de Recife. Son estas acciones físicas y el manejo del lugar lo que Mendoça Filho sabe registrar con mimo y con sorprendente maestría.

Pero «Aquarius» no es solo un documento del espacio y del tiempo, sino también de la familia, de los vínculos parentales que también se ven corroídos, transformados y afectados por los años. Es un retrato honesto de personajes que, sin la necesidad de ahondar en su psicología, nos dice mucho por lo que hacen y viven. Y encabezando a todos, dominando la escena, está Sonia Braga, que con su sola presencia llena de color la pantalla.

Jonatan Medina Espinal

7. «Julieta» de Pedro Almodóvar

«Julieta» es una película que desnuda emociones contenidas. Pedro Almodóvar se caracteriza por construir minuciosamente sus personajes femeninos: se trata siempre de mujeres que no pasan desapercibidas, fuertes aún en su fragilidad y cercanas a un espectador sensible; y, en ese sentido, «Julieta» entra sin problemas en el Olimpo femenino construido por el director manchego a lo largo de su carrera cinematográfica.

Julieta es una mujer depresiva y solitaria, cuyo pasado es un misterio para quienes conforman su mundo presente. Ese pasado contiene las emociones y las piezas que construyen a Julieta, quien nos cuenta su historia en una secuencia de flashbacks que el director introduce mientras la protagonista empieza a escribir un libro en blanco. En este recuento, ella reconoce y asimila su pasado; cansada de negarlo, acorralada en esa negación, empieza a llenar el libro y a desnudar su alma, a reconciliarse con su tristeza. Así, va dejando a la vista sentimientos escondidos, contenidos en el tiempo, criados en un corazón solitario.

«Julieta» es una historia de pérdida y reconciliación, de encuentro y reconocimiento, de introspección y de contención. Es una historia cuyo final no es feliz, pero sí esperanzador. Tal vez esa curva final contiene la esperanza que todos los depresivos del mundo merecen al reconciliarse con su tristeza.

Kathy Subirana (@Catalina_)

6. «Toro de neón» (Boi Neon) de Gabriel Mascaro

neonbull3-1600x900-c-default

En «Neon Bull» seguimos a Iremar, modisto aficionado que se gana la vida en las vaquejadas, una especie de rodeo donde los toros son lanzados al coso para ser embestidos por caballos. Ese es todo el tejido dramático que enarbola la cinta. Porque para el realizador Gabriel Mascaro la premisa es lo de menos. Él favorece el trabajo de la mirada y la puesta en escena, la cual se sustenta en tres elementos: el calor, la tierra y el cuerpo. El encuadre los dispone juntos, los altera para entreverarlos hasta hacerlos indivisibles el uno del otro. Entonces, se conforma un grupo de reses desnudas, presencias perfiladas por el fuego ocre del día y el azul galvanizador de la noche; la luz se encarga de sugerir lo que sus vientres se empecinan en desentrañar: un propio templo de los deseos.

El resto del trabajo recae en la mirada. La cámara guarda distancia y enfatiza el físico de los actores, incluidos toros y caballos; aquí todos son nervio que brota del calor pardo. Al verla, evocaba los cuerpos humeantes de las obras de Tennessee Williams, que hacía del clima crepuscular y moroso una pieza desestabilizadora de la cotidianidad y el tedio de la inercia. El alejamiento inflama las acciones, los movimientos y las trayectorias físicas, que bajo la intensidad de los colores adquieren una sensualidad plástica y agreste. Afuera, la presencia de los esqueletos metálicos de futuros centros comerciales se emplean para apuntar un comentario social: se viene la desaparición de las vaquejadas, quizá el último vestigio de una época donde el polvo y la sangre se fundían en la vida; el capitalismo finalmente nos salvará de una existencia semisalvaje, parecen decir esos armatostes de fierro.

Pero el director no lo siente así: la última secuencia, que muestra dos cuerpos pulsantes, fértiles e hinchados de lujuria, se lleva a cabo dentro de una moderna fábrica de ropa, entre telares y máquinas de coser; es crudeza y simbolismo en un mismo tiempo: al final, la modernidad no cambia nada, no existe retazo de tela capaz de ocultar la verdadera naturaleza de nuestras tripas.

Rafael Flores Figueroa

5. «Capitán fantástico» (Captain Fantastic) de Matt Ross

brody-captain-fantastic-1200

Un hombre con seis hijos viviendo en el bosque, alejados de la ciudad, del materialismo, de las tradiciones convencionales, muestra que dicho alejamiento no perjudica la educación, la alimentación ni el crecimiento de una persona. Es simpático ver cómo desde el más pequeño de sus hijos puede tranquilamente discutirle a un adulto sobre cuestiones filosóficas o doctrinas políticas, sin caer en falacias o tontos argumentos.

La actuación de Vigo Mortensen es para el aplauso, el pilar sobre el que se sostienen las emociones de la historia. Y claro, la actuación de los 6 jóvenes es relevante también. Frank Langella, Kathryn Hahn y Steve Zahn completan el reparto, dando vida a miembros de la familia extendida del protagonista, quienes se oponen a sus prácticas liberales y buscan intervenir antes de que sea demasiado tarde.

La cinta cuestiona mucho a la sociedad de hoy en día, desde las costumbres de los adolescentes (videojuegos, celulares) hasta esa cautela ingenua para explicar las cosas, tanto en el plano sexual como en las cuestiones de la vida misma. El tabú como el peor error de nuestra sociedad. Se nos presenta a una figura paterna muy humana, indicándonos que uno no debe juzgar cuando se trata de criar a los hijos. Lo políticamente correcto como ejercicio de ridiculización de lo diferente, de los demás.

«Captain Fantastic» es un filme con mucho corazón que nos enseña a apreciar las cosas más valiosas de la familia. Una historia acerca de las dificultades de ser padre de familia y el complejo rol de brindar una buena educación y formación a los hijos, frente a una sociedad que consume y devora todo, pero que guarda las apariencias.

Omar Cáceres (@Cine_filoso)

4. «Estación zombie» (Train to Busan – Busanhaeng) de Sang-ho Yeon

still-train-to-busan-3

«Estación Zombie» destaca, sin duda, como el mejor ejercicio de tensión del 2016. Se puede destacar el dilema moral que plantea la situación general, ya que el director Yeon Sang-ho nos coloca emocionalmente en el lugar del protagonista y nos invita a cuestionarnos sobre aquello que normalmente consideraríamos una elección ética en un momento de desesperación. Se desbarata el concepto familiar típico y políticamente correcto del blockbuster hollywoodense, para adquirir un matiz más profundo, ambiguo y relevante. La película gira sobre el eje del instinto de supervivencia frente a la solidaridad con los otros: la película no busca dejar moralejas, sino concentrarse en ese dilema complejo.

También hay que mencionar el fuerte comentario social que deja la película, ya que a través de los pasajeros del tren podemos vislumbrar claras críticas a las corporaciones y a la individualización que llega de la mano de la modernidad, así como alegorías a esos abismos entre clases sociales. Imposible no sentirse incómodo al reconocer reacciones y enfrentamientos exacerbados, pero muy cercanos, a los que cotidianamente vemos en la calle o cualquier noticiero.

Pero todo esto no significa que la cinta sacrifique el vértigo, la adrenalina y el frenetismo, ya que sabe guardarse una buena dosis de situaciones inesperadas, manejadas con pulso y astucia. Hablar de esta película es hablar del mejor cine de entretenimiento, hecho con una calidad y dedicación como no se ve en el cine de occidente. De visionado obligatorio para los amantes de los muertos vivientes.

Vladimir Soriano Galarza

3. «Elle» de Paul Verhoeven

elle_movie_verhoeven

“Elle” es una película desafiante, sumamente polémica y controversial. Se trata de un thriller enfermizo, bañado en la comedia más negra y ácida que podamos imaginar. Una película que, sin lugar a dudas, invita a la discusión, tanto desde lo cinematográfico, como en lo social y psicológico.

Paul Verhoeven, el director, decide abrir la cinta con una violación. Y luego de ésta, vemos a la mujer agredida, Michelle Leblanc, que no llama a la policía ni corre al teléfono para avisarle a alguien de lo ocurrido. Es dueña de una empresa de videojuegos en la que la mayoría de sus trabajadores son hombres, quienes creen que ella no tiene la capacidad para dirigirla. Es madre de un joven sumamente sobreprotegido, incapaz de hacer cosas por sí mismo. Es exesposa de un escritor venido a menos, se acuesta con el esposo de su socia y mejor amiga y tiene una madre que es novia de un gigoló. Michelle es dueña de su mundo, ella controla todo lo que está a su alrededor. Es por eso la importancia de este hombre que la agredió, porque decidió por ella, algo que lo convierte en el motor para la venganza perfecta.

“Elle” se convierte en un complejo relato sobre el sexo, la violencia y la manipulación, contado desde el punto de vista de una mujer que no va a aceptar ser víctima y a la que reconocemos en un punto medio hacia ser victimaria: se trata de un fascinante juego de poderes, más complejo aún al sumergirse en un terreno tan delicado y actual como es el de la violencia contra la mujer. Comprender a Michelle, interpretada exquisita y espléndidamente por Isabelle Huppert, y a Paul Verhoeven va a depender de nuestros propios puntos de vista acerca de la sexualidad humana, la moralidad, el deseo y el poder. Se trata de una fascinante obra sobre las dinámicas de poder, la mejor película que llega a nuestra cartelera en varios meses.

Terina Flores Castillo (@rosebud8421)

2 . «Anomalisa» de Duke Johnson y Charlie Kaufman / «La bruja» (The Witch) de Robert Eggers

«Anomalisa» es la gran sorpresa del año. Si con los guiones de «Adaptation» y «Eternal Sunshine of the Spotless Mind», Kaufman había irrumpido gratamente en la escena cinematográfica, parecía que con «Synecdoche, New York» sus pretensiones fílmicas habían alcanzado su máxima expresión. Pero con esta bellísima película de animación (que debió alzarse con el Oscar a película animada, en desmedro de «Intensamente»), co-dirigda con Duke Johnson y producida completamente en stop motion (una técnica EXQUISITA), Charlie Kaufman nos regaló después de un buen periodo de silencio —siete años— otra genialidad de su original intelecto.

La historia empieza con un orador motivacional —Michael Stone— que atraviesa una crisis existencial por la monótona vida que ha construido, que parece destinada a la mediocridad de la que tanto despotrica en sus discursos y libros. Todo cambia cuando conoce a una tal Lisa y escucha su voz que —literalmente— se oye distinta a las demás y queda prendido de ella. Será el inicio de una relación tan lúdica como apasionada, que les servirá como ejercicio de exploración personal y colectiva, con una interesante conclusión que, si bien no es perfecta, muestra un melancólico realismo que embellece el producto final.

Todavía creemos que Kaufman —probablemente el guionista más talentoso de su generación— tiene la capacidad de regalarnos mucho más. Seguramente su siguiente trabajo —«Frank or Francis», ya anunciado— será otro producto tan brillante como original. Solo esperemos que no sean otros siete años más de espera.

Dante Morales
thewitch2

Esta ópera prima de Robert Eggers es la más destacada película de terror que ha llegado a nuestra cartelera este año. Pero no se trata de una que utiliza recursos convencionales de otras películas de su género. No hay un abuso de efectos especiales o sonidos abruptos comunes cuando se desea provocar un sobresalto en el espectador. Por el contrario, “La bruja” se trata de un filme con un ritmo más pausado, que crea una atmósfera perturbadora e incómoda para el espectador y que recurre, en muchos momentos, a lo simbólico.

La película nos traslada a Nueva Inglaterra en el siglo XVII para contarnos la historia de una familia sumamente religiosa que es expulsada de un pueblo hacia las afueras, cerca de un oscuro y tétrico bosque. En medio de ese territorio hostil intentarán subsistir con ganado y sembríos, pero sufrirán y vivirán un infortunio tras otro, amparándose en su fe para poder continuar; verán cómo poco a poco estos conflictos irán resquebrajando sus relaciones familiares. Paulatinamente, se sumirán en la desesperación por sobrevivir, por la pérdida de integrantes de la familia, por la desconfianza entre ellos mismos, por el temor de que el diablo esté acechando y detrás de estas desgracias.

¿Existe la bruja? Y si existe, ¿quién es? ¿Y por qué existe? Lo real, la fe religiosa, lo psicológico y lo fantástico se van entrelazando para dar vida al terror que responderá esas preguntas.

Giorgio Lázaro (@Giorz)

1. «Carol» de Todd Haynes

Carol - 2015

“Carol” es la historia de dos mujeres que se enamoran en Nueva York en los 50s, pero no es una película a la que le interese dar un discurso sobre el lesbianismo, sino mostrarnos las circunstancias que construyen, desestabilizan y separan a una pareja: el amor como motor que propicia el cambio, como estado maleable imposible de contener. Se trata de una película cuyos personajes nunca encuentran respuestas definitivas, no alcanzan resoluciones absolutas, ya que la vida es así: irresoluta. Aquello le añade verdad a su relato. Un amor prohibido como tantos otros, pero cuyo desarrollo no está sujeto a las restricciones morales de una época, sino a la inconformidad con el estado actual de las cosas, con la situación de uno mismo frente a las perspectivas de vida.

Y es que Cate Blanchett interpreta a una mujer aburrida de su matrimonio que se enfrenta a un complicado proceso de divorcio, mientras que Rooney Mara es una joven que no está segura de lo que quiere hacer en la vida exactamente, atrapada en una tienda cuya banalidad la abruma. Ambas tienen un hombre al lado, una pareja que les ha construido todo un camino por delante para alcanzar la felicidad más idílica, esa de la familia con hijos y la mujer atrapada en su universo social. De ese estado asfixiante es que ambas protagonistas intentan escapar a la hora de conocerse la una a la otra, lo cual desatará la pasión, en un proceso de descubrimiento de nuevas posibilidades, de nuevos rumbos: tanto de la mujer mayor que ve a la joven como aquel momento perdido de su vida, mientras la menor ve a la otra como la voz madura que le dice que nunca va a terminar de entenderlo todo, que simplemente debe vivir. Se trata de un romance en el que ambas pudieron haberse escapado con otro hombre y se hubiera dado lugar a otra historia igual de contundente; pero al añadirle el affaire entre dos mujeres, se le agrega un contexto histórico y social que eleva los riesgos.

El director Todd Haynes cuenta con soltura y aplomo una historia de amor fascinante, un relato que ingresa a sus universos personales y nos revela la historia de vida de cada una, dejando claro las circunstancias que las llevaron a estar en esa situación de incomodidad con su entorno y a enamorarse del escape. La fotografía de Edward Lachman hipnotiza con su lirismo, con su fijación en los detalles, con la composición de imágenes borrosas (la poca profundidad de campo y los lentes largos juegan un papel importante) que se definen mientras cada una encuentra su nuevo rumbo. El guion que construye Phyllis Nagy es digno de estudio, y si bien Blanchett está estupenda, como siempre, es Mara la que se roba cada segundo en el que aparece en la pantalla, exudando miles de lecturas con el más sencillo gesto o mirada. “Carol” es una obra maestra con todas sus letras, una película de tono clásico como ya no las hacen. Y una película en la que el mensaje o tema no importa tanto como la historia que se cuenta y los personajes que la viven.

Alberto Castro (@mczorro)